Spielfreude ist der Motor der Improvisation. Ohne sie geht nichts. In diesem Modul aktivieren die Teilnehmenden ihre Spielenergie, finden Blockaden, setzen sich mit ihrer eigenen Spielgeschichte auseinander und lernen ihren inneren Kritiker kennen – um ihn (oder sie) zum Schweigen zu bringen.

Unterstützende Figuren sind entscheidend für den Aufbruch in eine Held:innenreise. Ohne Gefährten wird diese Reise eine emotional öde und trostlose Sache. In diesem Modul setzen sich die Teilnehmenden mit unterstützenden Figuren auseinander, erweitern ihre eigene Fähigkeit, Bühnenpartner emotional zu supporten und identifizieren Unterstützer:innen in ihrem wirklichen Leben

Ein Drama lebt von Widerständen und Konflikten. Die entsprechenden Figuren müssen klar und standhaft sein. In diesem Modul lernen die Teilnehmenden, warum Schwellenhüter und andere blockierende Figuren nicht wirklich negativ sind, sondern Anlässe, die eigene Energie zu steigern. Sie setzen sich mit ihrer eigenen Fähigkeit zum Neinsagen auseinander und identifizieren Schwellenhüter in ihrer Biographie und in ihrer aktuellen Situation.

Die Held:innenreise fokussiert logischerweise auf eine zentrale Figur. In diesem Modul lernen die Teilnehmenden verschiedene Formen von Held:innen kennen und wie man diese mit einem klaren Spielziel ausstattet. Dabei werden auch die Qualitäten der Trickster als Noch-nicht-Held:innen und der Mentoren als Früher-mal-Held:innen beleuchtet. Die eigene Befähigung zur Heldin, zum Held, wird reflektiert und ausgeweitet.

Die Begegnung mit einem begehrenswerten Menschen und die Sehnsucht nach Liebe fehlen in kaum einer Geschichte. In diesem Modul werden Begegnungen mit dem Begehren vom Flirt bis zur Bettgeschichte angespielt. Die Teilnehmenden lernen, die entsprechenden Energien freizusetzen und einzuschätzen, wie weit sie auf der Bühne gehen wollen. Es werden Techniken vermittelt, Intimität auf der Bühne darzustellen, ohne peinlich, übermäßig explizit oder (selbst)verletzend zu werden.

Bösewichte und dunkle Figuren sind Grundbausteine für die meisten Geschichten. Die Held:innen steuern auf eine unvermeidliche Konfrontation zu und müssen sich mit destruktiven, unmoralischen, faulen und narzisstischen Charakteren beschäftigen. Die Teilnehmenden lernen, dunkle Figuren zu spielen und sich mit entsprechenden Charakteren und Impulsen in ihrem eigenen Leben auseinanderzusetzen. Es werden Techniken vermittelt, Aggression und Gewalt auf der Bühne adäquat darzustellen.

Archetypen kann man als Grundelemente von Geschichten verstehen und verwenden. In diesem Modul lernen die Teilnehmenden, Archetypen sowohl intellektuell als auch emotional und körperlich zu verinnerlichen und ihr Zusammenspiel auf der Bühne zu arrangieren. Sie entwickeln ein Gefühl dafür, wann eine bestimmte Qualität in einer Geschichte fehlt und wie diese über einen Archetypus eingebracht werden kann.

Plots sind die Grundstruktur von Geschichten, sozusagen ihr Skelett. Dieses Modul widmet sich dem wahrscheinlich universellsten Plot, der Heldenreise, und geht von dort weiter zu anderen Plots wie sie von Drehbuchautor:innen identifiziert und beschrieben wurden. Die wichtigsten Plots werden auf einfache Art in Übungen erarbeitet. Gleichzeitig wird die universelle Dramaturgie in Form der 5-Akt Struktur ausführlich veranschaulicht und erprobt.

Virtuose Geschichten sind nur dann wirklich tief, wenn sie mit eigenen Anteilen, Erlebnissen, Haltungen, kurz mit dem eigenen Selbst, verbunden sind. Dieses Modul stellt eine Verbindung zwischen der eigenen Biographie der Teilnehmenden und den Geschichten her, die sie erzählen können und wollen. Die Teilnehmenden entwickeln ein Gefühl dafür, welches persönliche Material ihnen zur Verfügung steht und welches sie öffentlich verwenden wollen.

Theater kreist um Gefühle und sowohl die Spielenden als auch das Publikum will ein emotionales Erlebnis. In diesem Modul werden schauspieltheoretische Zugänge vorgestellt, inside-out und outside-in, heiße und kalte Schauspielende usw. Die Teilnehmenden lernen eine eigens von uns für das Improtheater entwickelte, einfache Technik kennen, das Emo-Streaming. Sie erproben den Einsatz von Gefühlen auf der Bühne als Spielende, als Anspielpartner:in und in der Rolle der Zuschauenden.

Das zentrale Konzept der Chicagoer Schule der Improvisation, das Game, ist in der Lage, kollektive Kreativität zu kanalisieren und gleichzeitig interessante theatrale Dynamiken freizusetzen. In diesem Modul lernen die Teilnehmenden, wie man die Achtsamkeit für das jeweils aus dem Nichts entstehende Game entwickelt, wie man das Game aufnimmt und steigert. Weiterhin lernen sie, wann ein Game «ausgespielt» ist und wann es gebrochen werden sollte, um ein neues Game zu beginnen.

Aufbauend auf dem Konzept des Game wird die zentrale Spielform «Harold» von Del Close erarbeitet. Es umfasst neben konkreten und abstrakten Games auch die Entwicklung eines Gespürs für Timing, Editing und Schnitttechniken. Über den «Harold» lernen die Teilnehmenden, welche Lücken man in einem Kunstwerk lassen muss, damit die Zuschauer sie mit ihrer Imagination und ihrem Innenleben füllen können.

Improvisation macht Spaß, ist aber auch Teil einer künstlerischen Bewegung, die sich das Unbewusste, den Zufall und die Emergenz zunutze machen, um ein Theater zu schaffen, das sich jenseits der rationalen Logik entfaltet. In diesem Modul lernen die Teilnehmenden, diesen Aspekt des Improvisationstheaters zu verstehen und zu nutzen. Sie finden eine eigene innere Verortung im künstlerischen Feld und eine Grundlage für eigene künstlerische Entscheidungen.

Rudolf von Laban entwickelte ein System universeller Ausdrucksformen, das für das Improvisationstheater interessant ist, weil es gleichzeitig für die Figurenentwicklung, die Dialoggestaltung, die Sprache, die Stimme, den Rhythmus und Gesang angewendet werden kann. Vom Tanz kommend stellt Laban die körperliche Bewegung in den Mittelpunkt und leiten alles andere davon ab. Die Teilnehmenden lernen Teile seines Systems kennen und anzuwenden, die für das Schauspiel relevant sind.

Die Beziehung zum Publikum ist geprägt von Abhängigkeit von Publikumserwartungen und einem kreativen Umgang mit diesen Erwartungen. Die Teilnehmenden lernen, in der eigenen Rolle gegenüber dem Publikum klar zu werden, Interaktionen zu steuern, Publikumsvorgaben zu holen und zu «bedienen». Gleichzeitig finden sie zu einer künstlerischen Position, die nicht einfach darin besteht, dem Publikum zu geben, was es will, sondern im richtigen Moment darzustellen, was man als Künstler:in ausdrücken möchte.

Spiele oder Games sind irgendwann ausgespielt oder müssen gebrochen werden. Das Beenden eines Games und der Übergang zu einem neuen Game gehören zu den schwierigsten Manövern der Improvisation. In diesem Modul lernen die Teilnehmenden, Spiele so stark zu steigern, dass eine «Kapitulation» möglich wird. Sie bekommen ein Gefühl dafür, wie stark die Energie einer Kapitulation sein kann, wie sehr sie mit dem theatralen Konzept der Katharsis verknüpft ist, und wie wichtig es für die Entwicklung als Spieler:in ist, Kapitulation nicht zu faken und keine falsche Kapitulation des Spielpartners zu akzeptieren.

Die Wirklichkeit steht in einem Spannungsverhältnis zum Spiel, insbesondere zur angenommenen Harmlosigkeit des Spielens. In diesem Modul lernen die Teilnehmenden, dass es auch andere Konzepte des Spiels gibt, die durchaus auch düstere Seiten umfassen, wie Gewaltspiralen, Rachespiralen, eskalierende soziale Konstellationen. Sie setzen sich mit dem Konzept des Dark Play von Richard Schechner auseinander und lernen, dies für ihr eigenes Spiel zu nutzen.

Im professionellen Feld zu agieren, setzt eine Klarheit in der eigenen professionellen Rolle voraus. Die Teilnehmenden bereiten sich auf mögliche Situationen im kulturellen Arbeitsumfeld vor: Verhandlungen mit Auftraggebenden, Positionierung gegenüber Konkurrent:innen, Vertragsgestaltung und Fragen der beruflichen Selbständigkeit werden geklärt und wo immer möglich durchgespielt.

Mit dem Aufbau von Professionalität können (und werden) die Spontanität und der Impro-Mindset Schaden nehmen, weil sie in Spannung stehen zum Anspruch, punktgenau Qualität abzuliefen und Erwartungen zu bedienen. In diesem Modul lernen die Teilnehmenden, wie sie sich aus solchen Phasen wieder herausarbeiten können und wieder zu ihren eigenen Grundlagen zurückfinden können. Sie formulieren für sich die entsprechenden Leitprinzipien und verankern sie möglichst tief in sich.

Drei Prinzipien reichen, um eine Verankerung der eigenen künstlerischen Position zu haben. Mehr Prinzipien werden schnell zu komplex. In diesem Modul reduzieren die Teilnehmenden ihre Leitprinzipien auf möglichst wenige und wenden sie praktisch auf der Bühne an, indem sie ein entsprechendes Format als «Abschlussarbeit» präsentieren.